BOYS! BOYS! BOYS! Magazine Volumen 9: el imperio de los signos

Retratos íntimos, hibridando lo analógico y lo digital, conscientemente destruidos, rasgados, intervenidos. La serie fotográfica «Grandeur in ruins» del realizador australiano Alexis Orosa es una mirada catártica a las ruinas del amor. A los restos de una relación sentimental en la que se entrecruza el dolor, el sexo, la pérdida y la volátil gasa de la identidad que envuelve a las emociones humanas en un marasmo contemplativo. Bebiendo de los clásicos griegos —fundamentalmente de Platón— para los que el amor era la conciencia de una carencia, las instantáneas de este creador total (en su primera exposición individual las fotografías estaban acompañadas de cortometrajes que te empujaban a reconstruir los puntos de sutura de su inmersión en las emociones más extremas) demuestran que el encanto de los vestigios no es rememorar su época pasada de esplendor. Su atracción fascinante se revela cuando nos damos cuenta de que son oráculos del futuro.

Torsos enmascarados que se mimetizan con el entorno o con alguno de sus elementos. Rostros ocultos que actúan como un sonar detectando los ecos de nuestra identidad. Parker McComb desliza su cámara apuntando a la mina de oro de lo que nos hace ser nosotros mismos para extraer imágenes de muchos quilates. La propuesta del fotógrafo estadounidense afincado en Seúl es un baile de máscaras que reflexiona sobre la hipocresía, la construcción de nuestra personalidad, el ejercicio contemporáneo de mostrar y ocultar y de su resignificación. La máscara como punto de partida de un efecto dominó para derribar la normatividad. El rostro como frontera de lo desconocido. El velo como parte indisoluble de las convenciones. La careta como mecanismo del poder. Instantáneas enormes que nos devuelven nuestro reflejo.

El desnudo masculino ha sido un estilema en la obra de innumerables fotógrafos queer y gays. Su capacidad poliédrica para enhebrar infinidad de narraciones en torno a la vulnerabilidad, la sexualidad, la intimidad y la ternura supera la mera exposición del cuerpo del hombre como objeto. En las fotografías de Arjun Paliwal la anatomía masculina es el pórtico idóneo para adentrarnos en un recorrido singular donde formas geométricas, paisajes infinitos y acrobacias figurativas trasfunden melodías sosegadas que apuntan a una estela poderosa: finiquitar cualquier atisbo de miedo o vergüenza. Incorporarse al entorno sin lastres. Derrocar la culpa para, en un juego de luces y sombras, llegar al fondo de nuestras emociones. Disfrutar y gozar como propósito último del arte fotográfico para revelar nuestra mirada. Arjun nos da ese gusto.

En la película documental «La belleza y el dolor» («All the beauty and the bloodshed», 2022, Laura Poitras), Nan Goldin afirma que retener recuerdos reales es difícil. Lo real huele y está sucio pero, al fin y al cabo, es lo que conmueve. Las fotografías de Ruifeng Ding son lugares en los que no estás a salvo porque, con una facilidad asombrosa, desencadenan y amplifican recuerdos reales que aceleran el corazón. En su serie fotográfica «Then, he became a man of easy virtue», Ruifeng (que también es realizador audiovisual y escultor) se adentra de manera audaz por el camino de migas de pan de los detalles perturbadores elaborando un mapa del deseo queer a prueba de pájaros pusilánimes. Fluidos, cantos rocosos, plástico retorcido y silicona sin alérgenos dibujan un paisaje glorioso que vamos a recordar mucho tiempo.

La grandiosidad natural del Peak District inglés en Derbyshire (sus extensiones inabarcables, sus ríos de aguas frías, el delirio de sus horizontes) y el objetivo cinematográfico de uno de los fotógrafos (francés pero residente habitual del Reino Unido) más apasionantes (lo que ha hecho en su libro de autorretratos «Hollywood Nightmares» te deja totalmente KO) de los últimos años se unieron entre los dos confinamientos (en Inglaterra) de 2020 para parir una serie fotográfica monumental: «Discreet Peaks». Con la misma calidez con la que rueda sus video clips para «The Divine Comedy», Raphaël Neal acude al rescate de nuestras emociones encerradas para alentarnos a acariciar el mundo. Un canto a la necesidad de explorar espacios. Un himno para disfrutar de cada segundo… «So many heartbreaks/ So little time».

Después de su serie fotográfica «Sport & Leisure» publicada en el número 5 de BOYS! BOYS! BOYS! en la que ya dejó rastro de su maestría, el mexicano Francisco Rosas sigue ahondando — ahora en «Home Routine»— en la relación entre la anatomía masculina y los puntos de fuga arquitectónicos para firmar un puñado de imágenes en las que la puesta en escena y la intervención artística añaden capas de significado que sostienen una lectura multifocal. Como en una suerte de happening redefinido, Francisco Rosas provoca en nosotros una reacción compleja al observar sus escenas construidas, los elementos que ubica con una precisión milimétrica y las acciones que en ellas se recogen. Rutinas diseñadas con valentía para muscular las emociones.

Mitos, leyendas, rituales, penes erectos, máscaras chamánicas, cuerpos que cuentas historias. La serie fotográfica «Heavenly bodies» del creador multidisciplinar australiano David Charles Collins es un compendio ambicioso de uno de los temas fundamentales de su obra: la relación que se establece entre el cuerpo masculino y su percepción colectiva. Configuraciones culturales previas frente a representaciones masculinas con mucha piel. David ya nos dio a probar un pequeño sorbo de su universo fotográfico en el número 2 de BOYS! BOYS! BOYS! y desde aquella delicatessen figurativa nos sirve ahora un plato más delicioso todavía. Un motor visual que propulsa infinidad de historias alucinantes.

Las de Andy Warhol fueron el «lápiz y papel» del pop art. Las de Tom Bianchi en Fire Island Pines capturaron la esencia del verano gay infinito en la era pre-SIDA. Y las polaroids de Carter Bliss (tomadas alrededor de su mudanza a Nueva York —año arriba, año abajo—), son uno de los viajes de indagación personal mas hermosos de la nueva generación queer. El joven fotógrafo norteamericano se monta a lomos del caballo de lo analógico para gestar con imágenes uno de los diarios más endiabladamente abrumadores de los últimos años. El de un muchacho que creció en un mundo digital, de sobreexposiciones constantes en redes sociales, de cambios acelerados y de identidades fluidas. Inmenso por lo que transmite y sobrecogedor por su sinceridad.

Ovación en pie para la obra fotográfica «It’s a…» de Ellis Wolf. Un ramillete de imágenes en las que se suceden esos odiosos globos de las fiestas «baby shower» y que empapadas en una mezcla de cromatismo onírico y disposición surrealista abordan un interesantísimo vis a vis entre la identidad asignada, el género, el sexo y las convenciones sociales. Rejas y jaulas que intentan circunscribirnos al discurso dominante, helio que marca quién eres desde antes de nacer y cuerpos rotos física y mentalmente. Pasearse por las cuatro esquinas de las instantáneas del fotógrafo alemán desactiva la impunidad del heteropatriarcado. Y es que las fotografías de este artista duelen pero en la medida que intentan reventar las nociones de masculinidad tradicional, sanan. El arte reparador. Deslumbrante.

Johan Vikner es el director global de exposiciones de Fotografiska, uno de los principales museos —con sede en varios países— de fotografía artística cuyas muestras se han convertido en un éxito de crítica y público. Desde su posición en el mundo del arte, este lingüista sueco desgrana su visión sobre la fotografía gay y queer en una conversación que va de la comunidad LGTBIQ+ a David LaChapelle y de Barthes a los NFTs.